Boris Charmatz : « Entre Somnole et Muette, c’est un contraste absolu »

Vous présentez actuellement deux solos, Somnole (créé il y a cinq ans) et Muette (votre projet plus récent). Aviez-vous l’idée de composer un diptyque ?

Oui, mais c’est venu lentement. D’abord, il y a eu Somnole puis très vite après sa création, j’ai eu envie de travailler en solo, d’explorer ce format de type « écrivain avec sa page blanche » qui a fini par me plaire énormément. Assez rapidement, j’ai eu l’envie d’en faire un deuxième. Je ne savais pas encore quelle forme il prendrait ni quel en serait le prolongement exact, mais j’avais ce désir de le faire très vite… même si cela a finalement pris cinq ans !

En voyant vos deux spectacles, on décèle une vraie différence d’atmosphère : Somnole apparaît très lumineux et joyeux tandis que Muette dégage une noirceur plus angoissante. Comment vivez-vous le fait d’alterner ces deux propositions aujourd’hui ?

C’est difficile de les enchaîner car ce sont deux facettes différentes, portées par des motivations artistiques distinctes. Muette explore un espace plus large, avec des univers musicaux très variés (d’Ennio Morricone à Billie Eilish). C’est un spectacle plus sombre, traversé par des figures un peu cassées, angoissées ou traumatisées. À l’inverse, Somnole a un éclat différent. Cela dit, je me rends compte que l’existence de Muette vient colorer et réveiller Somnole de manière subtile, notamment à travers le travail du souffle qui reste central dans les deux pièces.

Kaaistudios, mai 2026 © Laurent Philippe

On retrouve dans Muette des échos, des bribes de gestuelles ou de matériaux issus de vos créations passées, comme une forme d’archéologie personnelle. Est-ce un choix conscient ?

Je ne cherche pas délibérément à placer des références à mon propre travail, mais cela ressort naturellement. Muette se penche sur des gestes intérieurs, des expressions de l’enfance comme ces sourires forcés ou ces respirations un peu contrariées que j’avais gamin. Il y a aussi des visions ou des figures qui reviennent. C’est une matière qui évolue avec le temps et qui s’imbibe des contextes contemporains.

En parallèle de ces solos, vous préparez un projet XXL intitulé Le Foison, avec une centaine d’étudiants du Conservatoire de Paris, en lien avec le Festival d’Automne et la Villette. Comment aborde-t-on le passage d’une forme intime à une foule immense ?

C’est un vrai challenge et un contraste absolu par rapport au travail en solo. D’un côté, il y a la fragilité et la puissance d’être une centaine sur le plateau avec des jeunes danseurs qui découvrent mon travail dans une période de revendications et de mouvements. De l’autre, on continue de faire tourner des pièces de répertoire comme 10 000 Gestes, qui retrouvent une énergie folle. J’adore cette alternance : c’est un équilibre permanent entre l’intimité du solo et l’énergie brute du collectif.

Vous avez aussi des pièces de répertoires qui tournent, quel regard vous portez dessus ?

L’histoire, la mémoire, le répertoire c’est évident mais ce qui me plait c’est que ça ne me procure pas de la nostalgie. D’une certaine manière, 10 000 gestes existe et puis c’est un plaisir fou d’avoir ces danseurs et des danseurs. Ce qui est fort c’est de tous se retrouver, c’est une joie. Il y a une énergie incroyable, ça produit de belles sensations.

Quel regard portez-vous sur les difficultés financières et le contexte actuel de la culture ?

Le secteur culturel traverse actuellement une période particulièrement sombre que l’on pourrait qualifier de « trou noir », « grise ». Les contraintes économiques et le manque de moyens pèsent lourdement sur les structures et rendent parfois difficile la reprise de pièces plus anciennes ou de grande envergure. C’est un contexte aride et exigeant mais la passion de la danse et le désir de faire vivre nos créations persistent malgré tout.

Vous préparez une nouvelle création d’envergure intitulée Bonne chance. Que pouvez-vous nous partager sur ce projet ?

Mon prochain projet de pièce s’appelle Bonne chance , je plaisante souvent en disant que ce nom porte malheur mais ce n’est pas grave ! C’est une aventure très particulière puisque c’est un projet mené avec le Conservatoire de Paris, rassemblant une centaine d’étudiants en danse, en association avec le Festival d’Automne et La Villette. Travailler avec une centaine de jeunes danseurs sur un plateau représente à la fois une puissance phénoménale et une grande fragilité. Ce sont des moments de révolte, d’écoute et d’échange extrêmement forts, où l’on essaie de construire quelque chose ensemble malgré le défi logistique et le nombre restreint d’heures de répétition. C’est un contraste absolu avec la solitude du solo mais c’est un projet qui me porte énormément.