.Les 29 et 30 octobre derniers, se tenait à Juan-les-Pins le marché des professionnels du jazz, « Jammin’ Juan ». Sur les deux scènes du Palais des Congrès, des showcases ont alterné pendant deux après-midi, permettant ainsi d’écouter 11 groupes et 1 artiste solo. Il faut saluer cette initiative, portée par Maryline Bailly, qui fêtera sa dixième année d’existence en 2027. L’été, le « Jammin’ Summer session » poursuit l’expérience sur la petite pinède, en préambule au festival « Jazz à Juan », qui serait bien inspiré de tirer avantage de cette veille des nouveaux talents pour nourrir sa programmation. L’un des groupes présents, CrozPhonics, qui se distingue de l’ensemble par son intimité chambriste et sa composition (un accordéoniste, Charles Kieny, et deux violoncellistes, Sary Khalifé et Karsten Hochapfel – Lina Belaïd pour le CD), présentait son dernier opus, Within Our Realm. Entretien avec le leader du groupe, Charles Kieny.

D’où vient votre connaissance, votre culture jazz ?

Je dirais que nous sommes un peu la génération qui a grandi avec YouTube. En un clic, tu peux entendre les meilleures choses du monde entier. Le meilleur et le pire. Tu peux passer du black metal suédois, le plus obscur, aux polyrythmes centrafricains, à du Haydn et du Mozart, au meilleur du jazz new-yorkais. On a vraiment eu cette facilité, en un clic.

De manière aléatoire ou en allant chercher des musiques précises ?

Non, juste comme ça. On est la génération où tout est à portée de main. Les millennials, comme on dit. Et du coup, cette musique que nous venons de jouer, je l’ai écrite sans réfléchir, juste en ayant une sorte de chant intérieur, en imaginant ce que ça pourrait donner en termes de son et d’orchestration. Sans penser à des influences particulières, mais juste en me disant que c’est comme une sorte de folklore imaginaire qui n’existe pas. Donc, ça peut sonner un peu est-européen parfois, ou méditerranéen au sens large, mais ce n’est pas voulu. À aucun moment je me suis dit tiens, je vais faire quelque chose qui sonne méditerranéen ou autre. C’est juste que j’ai écouté plein de choses et qu’elles ressortent dans mon imaginaire quand j’essaye de créer mon petit monde. Grâce au fait qu’on a accès à toute cette culture si facilement, qu’on n’a plus besoin d’aller à la médiathèque emprunter des CD. Même ça, je le faisais beaucoup quand j’étais gamin : emprunter de tout sur tous les rayons et écouter tout.

Dans le groupe, tu agis comme le catalyseur ou chacun contribue par son univers personnel ?

Il y a une grosse place laissée aux interprètes déjà par l’improvisation. Il y a beaucoup de passages improvisés qui sont le ciment des passages écrits. C’est un peu ce que les Anglais appellent through-composed. C’est-à-dire que c’est composé de A à Z. Il n’y a pas vraiment de cycle qui se répète. Mais l’improvisation amène les passages d’écriture et la composition avance comme ça. Du coup, il y a des choses que je leur dis, par rapport à la direction, il faut que ça aille du point A au point B au point C, etc., mais ensuite, ce qu’il y a au sein de ces passages d’improvisation, c’est eux qui l’inventent en temps réel.

En termes d’instrumentation, pourquoi y a-t-il une hiérarchisation entre le premier et le deuxième violoncelle ?

Sur la partition, c’est écrit comme ça. Sary a un bagage très lyrique au violoncelle. Il va dans l’aigu avec une facilité déconcertante. Donc je lui ai donné un rôle plus de chant, on va dire, de mélodiste. Karsten est davantage dans la grooverie avec moi, donc on est un peu plus en dessous, le deuxième violoncelle et l’accordéon. On va chercher des grooves, des tourneries, des choses où on accompagne parfois Sary de manière générale. C’est pour ça que, par défaut, c’est le violoncelle 1, celui qui perce et qu’on entend le plus. C’est lui qui joue les grandes mélodies épiques.

Quand est-ce que tu as eu l’idée d’avoir deux violoncelles à tes côtés ?

C’était lors d’un stage dans la commune de Villecroze, dans le Var, au-dessus de Draguignan, où ils invitent des grands maîtres des instruments, en général classiques. Et, une année, ils avaient invité Richard Galliano, ce qui permettait de sortir du classique, et de prendre des chemins de traverse. Il y avait également Vincent Ségal, et tous deux ont dirigé une masterclass violoncelle et accordéon. C’est là que j’ai rencontré Sary. Après avoir été ainsi entouré de violoncellistes, j’ai eu envie de faire section avec plusieurs violoncelles et d’amener ce son-là sur scène. Sary et Karsten font presque pupitre à deux. Le son est super plein. Il me fallait ce frottement entre deux violoncelles pour créer cette espèce de buzz dans le son sur lequel je peux asseoir le son de l’accordéon.

L’accordéon, c’est un choix que tu as fait très tôt ?

C’était pour faire plaisir à ma grand-mère quand j’étais petit, elle avait un vieil accordéon au grenier qui sentait la poussière. Et pour faire plaisir à mamie, j’ai fait de l’accordéon ! Et après j’ai fait de la batterie pour me faire plaisir à moi, quand j’avais 15 ans. J’ai commencé la batterie, le rock, le métal, le funk, tout ça. Mon bagage rythmique vient un peu de ça aussi.

Tu as écouté tout de suite des gens qui ont renouvelé l’accordéon, comme Vincent Peirani ?

J’étais plus branché musique actuelle comme on dit en France. Amplifié, jazz, métal, funk, rock, tout ça. Et je voulais amener l’accordéon dans ce contexte-là. Entre-temps, j’avais découvert le jazz, un big band en live qui jouait « A Night in Tunisia » [la composition écrite par Dizzy Gillespie en 1942], tous les standards. Quand tu n’as écouté que du rock toute ton enfance, et que tu entends ça pour la première fois, ça fout une claque mélodiquement. Donc je voulais amener l’accordéon là-dedans mais ça aurait pu être du pipeau, ça aurait pu être n’importe quel instrument.

Pour ta formation musicale, tu es passé par une institution en particulier ?

J’ai fait le Centre des musiques Didier Lockwood (CMDL) à Évry puis le Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris (CNSMDP) en jazz. Plutôt les écoles de jazz, donc où je n’ai pas trop étudié l’accordéon, car je n’avais pas de prof. J’allais voir tous les instrumentistes. Il y avait beaucoup d’ateliers, de compositions, d’arrangements, d’orchestrations. Beaucoup de cours où on développe notre plume mais pas forcément pour les instruments un peu hors-circuit comme le violon ou l’accordéon. Mais j’ai beaucoup suivi Pierre de Bethmann au piano, Hervé Sellin aussi, pour tout le langage plus traditionnel du jazz du siècle dernier.

C’est drôle de dire ça comme ça.

Nous, on est les millennials. On est nés à la fin du siècle dernier. C’est ma grand-mère qui disait toujours qu’elle était du siècle dernier, qu’elle n’avait pas fait la transition. Oui, c’était plus les pianistes. J’ai passé plus de temps avec les pianistes forcément, parce que c’est ce qui se rapproche le plus de par la polyphonie.

La musique de chambre, de manière générale, s’adresse à un public un peu restreint, par son exigence. Vous est-il arrivé de jouer dans des grandes salles ?

Oui, on peut faire les auditoriums. On a joué à Draguignan, à l’Espace Chabran. On a joué à Vienne, à Nevers, dans leur grande salle, et au New Morning.

À Juan, votre prestation était très légèrement sonorisée. Quand vous avez beaucoup de public, vous sonorisez davantage ?

Quand on a beaucoup de public, en général, on a notre propre ingénieure du son et elle fait en sorte de reproduire le son acoustique et l’émotion naturelle, et de la diffuser de manière à ce que cela reste naturel. Elle fait vraiment partie du projet.

Comment ça se passe entre et avec les deux violoncellistes ?

Il y a eu plusieurs violoncellistes dans ce projet. L’album Within Our Realm a été enregistré avec Lina Belaïd. Les premières expériences, c’était avec Vincent Ségal et Adèle Viret. Il y a eu Bruno Ducret qui est passé aussi. Là, il commençait à y avoir un peu plus de concerts, d’opportunités. On a signé avec un tourneur. Il fallait quelqu’un qui soit plus disponible et qui soit motivé à faire plusieurs dates. À Juan, c’est tombé sur Karsten et ça a marché instantanément. Dès la première répétition, on s’est dit que ça traçait tout seul. Alors que ce n’est pas une musique simple non plus. Karsten et moi, on s’est croisés dans le réseau des musiques un peu expérimentales à Paris.

Avez-vous eu des liens avec des musiciens comme ceux et celles de l’Ensemble intercontemporain par exemple ?

Assez peu. Ce n’est pas forcément quelque chose qui me parle énormément. Je n’ai jamais trop fréquenté ces milieux-là. J’ai quelques amis qui sont là-dedans. Je pense qu’il y aura des choses à faire entre l’impro, l’impro idiomatique du jazz, les créas contemporaines. Il pourrait y avoir plus de parallèles. Souvent, les gens s’enferment un peu dans des boîtes. Même, admettons, tu as un saxophoniste alto qui ne fait que du bebop, qui ne joue que comme Charlie Parker. C’est un ingrédient super puissant. C’est comme du poivre du Sichuan ou je ne sais pas quoi, tu le mets dans une recette. S’il est bien amené, il peut amener un truc incroyable. Même à des compositions complètement non idiomatiques.

Indépendamment du trio, vous vous donnez la possibilité de jouer avec d’autres musiciens dans d’autres formations ?

J’ai également un groupe de jazz métal, un quintet qui s’appelle CKRAFT, avec un autre accordéon, où il y a des capteurs électroniques, un sax ténor, une guitare, une basse et une batterie. Le bassiste est celui de Tigran Hamasyan, Marc Karapetian, avec une basse à 6 cordes. Très grave, très dans l’impact. Là, j’utilise des matériaux mélodiques de chants grégoriens pour les orchestrer et c’est très polyrythmique, très prog. D’aucuns disent que c’est un peu du King Crimson moderne, ou du Meshuggah [groupe suédois de metal progressif].