Daniel Hope, directeur artistique du Festival Menuhin de Gstaad : « J’aimerais être encore plus audacieux »

Êtes-vous heureux que votre mère ait choisi Yehudi Menuhin plutôt que l’archevêque de Cantorbéry lorsqu’on lui a proposé de choisir son futur employeur ?

J’en suis extrêmement heureux. Ce fut un incroyable coup de chance, un pur hasard. Et vous savez, il y a des moments dans la vie où l’on a le choix entre deux portes ? Elle a franchi cette porte-là.

Savez-vous ce qui a motivé son choix ?

Oui, en fait, je le sais. C’est très intéressant. L’archevêque de Cantorbéry était venu en Afrique du Sud et mes parents étaient allés l’écouter, s’attendant à ce qu’il prenne ses distances par rapport à l’apartheid et à ce qu’on appelait alors le « développement séparé ». Or, dans son sermon, il ne l’a pas fait. Mes parents ont été complètement choqués. À partir de ce moment-là, ma mère a développé une sorte d’allergie à son égard. Ainsi, lorsque le choix s’est présenté, elle n’y a même pas réfléchi. En revanche, elle avait vu et entendu Menuhin lorsqu’il était venu en Afrique du Sud – elle avait 15 ou 16 ans – et, bien sûr, elle avait été absolument fascinée par lui et par son interprétation. Mais il avait également pris la parole au Parlement sud-africain et s’y était opposé à l’apartheid.

Votre mère a été embauchée comme assistante personnelle de Yehudi Menuhin.

Oui, et elle s’est dit : « Ça ne doit pas être si compliqué que ça de gérer la vie d’un violoniste ? », sans vraiment savoir ce que cela impliquait. Elle a donc abordé ce poste exactement comme elle aborde tout : de manière pratique et organisationnelle, et s’est dit : « Allons-y, essayons. » Elle a ensuite passé un entretien d’embauche extraordinaire, qui a duré 35 secondes, au cours duquel Menuhin lui a demandé si elle connaissait la différence entre Beethoven et Bach. Elle a répondu : « Je crois que oui. » Et il a dit : « Quand pouvez-vous commencer ? » Et c’était tout. Elle n’a vraiment pas eu le temps d’y réfléchir. Et tout de suite après, il a annoncé : « Faites vos valises, nous partons à Gstaad. » « C’est quoi, Gstaad ? » a demandé ma mère. Et il a répondu : « C’est une magnifique ville dans les Alpes, j’y organise un festival, et vous viendrez y travailler pour moi pendant tout l’été. » Elle a dit : « Mais je ne peux pas, j’ai une famille et des enfants en bas âge. » Et il a répondu : « Non, non. Je ne séparerais jamais une famille. Toute la famille vient ; je vous trouverai un logement et je prendrai en charge vos frais de subsistance ainsi que tout le reste. » Et nous y sommes allés.

Quels souvenirs gardez-vous de votre enfance à Gstaad ? Vous avez dû y passer de nombreux étés.

Tous les étés. Je suis né le 17 août, et mon anniversaire tombe toujours en plein milieu du festival. J’ai fêté mon deuxième anniversaire ici, dont je n’ai aucun souvenir, mais je me souviens de mon troisième. Chaque année sans exception, j’avais un gâteau d’anniversaire à Gstaad et j’ai des photos pour le prouver. Ça a commencé par un gâteau Batman, puis un Tintin, et ainsi de suite. Ainsi, l’idée de fête a toujours été associée à Gstaad, car c’était mon anniversaire en été, à l’époque où il y avait des concerts. Mes premiers souvenirs ici remontent à l’âge de trois ans et je me souviens de l’église de Saanen. Pas seulement la musique, mais aussi le grincement des bancs en bois, et cette curieuse assemblée de personnes merveilleuses qui s’y trouvaient, et dont je ne savais absolument pas qui elles étaient. La diversité musicale de ces gens était si extraordinaire et si caractéristique de Yehudi ; on pouvait passer en un instant de jeunes étudiants à Rostropovitch, à Stéphane Grappelli ou encore à Ravi Shankar.

Rostropovich était un farceur notoire. Vous a-t-il déjà joué un tour ?

En fait, c’est moi qui ai essayé de lui en jouer une. Il répétait le trio L’Archiduc avec Wilhelm Kempff au chalet Chankly Bore. Je rampais par terre et j’ai essayé d’arracher la cheville de son violoncelle. Wilhelm Kempff, qui n’avait pas beaucoup d’humour, était très contrarié. Yehudi était perplexe et ne savait trop quoi faire, tandis que Rostropovich riait. J’ai pris une photo de Rostropovitch dans la cuisine de la maison de Menuhin après un concert avec mon appareil Polaroid. J’étais un petit garçon et j’ai pris la photo d’en bas, en levant les yeux vers Rostropovitch, qui buvait une bière et mangeait un morceau de pain. Cela en dit long sur Gstaad. J’ai grandi en le voyant du point de vue d’un enfant, et de l’autre côté, depuis les coulisses. J’ai vu le monde de l’intérieur.

Qui vous a le plus impressionné quand vous étiez enfant ?

Grappelli était tout simplement incroyable. Il était tellement charmant, gentil et drôle, mais j’étais aussi stupéfait, car il avait bu une demi-bouteille de whisky avant de monter sur la scène de l’église. Il arrivait à peine à marcher en montant ces marches. Et puis, une fois là-haut, il a joué comme un dieu. Ça a été une éducation extraordinaire pour moi, pleine de rires et de joie, et on ne faisait aucune distinction entre les différents styles de musique. Je ne m’étais pas rendu compte qu’il y avait des différences jusqu’à ce que je commence à travailler avec des professeurs russes de l’époque soviétique qui me disaient : « Tu es un violoniste sérieux, tu ne peux pas jouer de musique folklorique, tu ne peux pas jouer de jazz, tu ne peux pas improviser, tu dois jouer du Ševčík », et ainsi de suite. Venant de la liberté qui régnait ici, c’était un choc.

À quoi ressemblait votre vie à Gstaad « de l’intérieur » lorsque vous grandissiez ?

Il n’y avait pas de barrières dans ce village : on assistait à un concert, puis on dînait, et on revoyait les musiciens le lendemain dans la rue. Je me souviens d’être allé au Café du Cerf à Rougemont avec Ruggiero Ricci. C’est un restaurant traditionnel spécialisé dans la raclette et la fondue. L’un des propriétaires, Köbi Bach, jouait de la contrebasse dans un ensemble traditionnel suisse avec accordéon, mais il jouait aussi de la scie musicale. Il la plaçait entre ses genoux et la courbait vers le haut, puis me demandait de venir tenir l’archet de contrebasse. Ruggiero Ricci, l’un des plus grands violonistes de tous les temps, observait la scène et s’exclamait : « Comment fait-il ce vibrato ? Je veux ce vibrato. » Les musiciens ont toujours faim ; on vivait donc des moments très comiques où des musiciens célèbres disaient : « J’ai besoin d’un sandwich, où puis-je en trouver un ? » Puis ils sortaient en queue-de-pie et devenaient une autre personne. On voyait donc le sérieux de l’art pendant le concert et l’exaltation de la musique, puis on découvrait l’humanité de ces individus avant ou après le concert et dans les coulisses.

Quel souvenir gardez-vous de Yehudi Menuhin de votre enfance ?

Je me souviens d’une chose, et je raconte souvent cette histoire. Quand j’étais tout petit, je n’arrivais pas à prononcer son prénom, Yehudi, alors je l’appelais Houdini. Je ne savais pas à l’époque qui était Houdini, mais pour moi, « Yehudi » sonnait comme « Houdini ». Je le disais, tout le monde riait, mes parents me disaient : « C’est Yehudi », et je répondais « Houdini ». Finalement, il a dit : « Laisse tomber, j’adore ça. » J’ai encore des lettres de sa part où il écrit : « À Danny, de la part de Houdini. » On peut y voir toutes sortes de choses ; Houdini était le maître incontesté de l’évasion, celui qui s’échappait de ses chaînes. Yehudi ne s’échappait pas de ses chaînes, mais il aidait les gens à s’évader du quotidien, que ce soit par sa façon de jouer de la musique ou par ce qu’il faisait ou essayait de faire pour aider les autres. Donc, d’une certaine manière, c’était lui aussi un maître de l’évasion.

Avec le recul, pensez-vous que le fait d’être ici, à Gstaad, ait également constitué pour lui une forme d’évasion ?

Oui, c’était le cas. C’était l’une des rares occasions de l’année où il passait plus d’une ou deux nuits au même endroit. De plus, il adorait cette région, et il était tout à fait différent quand il était ici. Il était complètement détendu. Il était en pleine nature ; il marchait, flânait, buvait le lait directement à la vache et ramassait les œufs chez les agriculteurs. Il faisait du yoga sur la pelouse de la maison. On le voyait toujours en short. Quand il a fondé le festival avec Benjamin Britten, je crois qu’ils se sont tous les deux dit : « Waouh, quel endroit incroyable ! Organisons un petit festival ici et jouons de la musique avec nos amis. » C’est vraiment aussi simple que ça.

Dans quelle mesure recréez-vous cet esprit aujourd’hui  ?

J’essaie de le faire revivre autant que possible. C’est exactement de cela qu’il s’agit. Beaucoup de gens ne savent pas qui était Menuhin ou ne l’ont jamais connu. Moi, j’ai connu cet univers, et j’ai également ressenti son énergie positive extraordinaire. Les concerts n’étaient pas seulement de merveilleux événements musicaux ; c’étaient des moments qui élevaient l’âme dans la vie des gens. Ma mère organisait pratiquement le festival pour Yehudi, car il disait : « Voilà les artistes que je veux, et maintenant, faites en sorte que ça se réalise. » Elle s’est donc chargée de concrétiser ses souhaits, et il a amené ses amis. C’est ce qu’il faisait, et c’est ce que je fais moi aussi. J’ai décidé que, la première année, j’inviterais soit les personnes que je connais, que j’aime et que je respecte, soit celles qu’elles aiment et respectent, mais que je ne connais pas encore. Pour moi, c’était un choix délibéré de suivre cette voie et d’en faire quelque chose de vraiment personnel. C’est peut-être l’une des raisons pour lesquelles j’ai choisi « Family Matters » comme thème : il évoque le sentiment de famille, tout en allant bien au-delà des simples liens du sang. C’est la famille des musiciens, la communauté, le lien qui les unit. Cela peut concerner Gustav et Alma Mahler, un professeur et son élève, la famille des violons, mais aussi ma famille et son attachement à ce lieu.

Votre mère est-elle présente au festival ?

Elle était là pour l’ouverture et est restée quatre ou cinq jours. Elle est venue aux premiers concerts, mon père aussi, d’ailleurs. C’était incroyablement émouvant de les avoir à mes côtés. Et puis il y a eu Pinchas Zukerman : je l’ai rencontré à Gstaad le jour de mon dixième anniversaire, en 1983. Le voir revenir, 43 ans plus tard, pour inaugurer le festival dans cette même église où tout a commencé, en présence de mes parents, c’était extraordinaire. Peu de gens ont l’occasion de revivre leur enfance. Et c’était vraiment l’occasion de le faire.

Avez-vous discuté du programme du festival avec votre mère ?

Oui, bien sûr. Elle m’a dit : « C’est vraiment important que tu fasses ce que tu as à faire. Commence par faire ce que tu as à faire. Je suis toujours là pour toi, mais n’essaie pas de te baser sur ce que tu penses que j’aimerais. » Mais, bien sûr, une fois que nous avons eu la première ébauche, je la lui ai envoyée. Il y a des artistes, par exemple, que j’ai programmés et qu’elle n’aurait pas choisis. Nos goûts sont différents, mais nous sommes tous les deux unis par notre gratitude envers Menuhin, qui était bien plus qu’un simple violoniste et musicien. C’était un être humain exceptionnel qui a aidé non seulement ma mère et moi, mais aussi mon père, qui a écrit trois livres avec lui. Mon frère est organisateur de concerts ; c’est en partant en tournée avec des orchestres, dont certains étaient dirigés par Menuhin, qu’il a fait ses premières armes et appris le métier. Yehudi Menuhin a marqué nos vies à tous. Je ne serais pas là sans lui, pas plus que ma mère. Elle en est bien sûr ravie.

Vous avez également changé le nom du festival. Comment cela s’est-il passé ?

Le festival en est désormais à sa 70e édition. Au cours des 25 dernières années, la question d’un éventuel changement de nom a souvent été évoquée. Lorsque le poste de directeur artistique s’est libéré et que j’ai présenté ma candidature, nous avons eu plusieurs entretiens avec le comité, et l’une des questions était : « Que pensez-vous de l’idée de changer le nom en “Gstaad Festival” ? » J’ai répondu : « C’est une possibilité, mais dans ce cas, je retirerais ma candidature, car je ne peux pas accepter cela. Si je dois m’engager dans cette aventure, ce sera autour de Menuhin. Et si nous le faisons, nous reviendrons à l’ancien nom : le Gstaad Menuhin Festival and Academy. » Aujourd’hui, c’est simplement le Menuhin Festival Gstaad, ce qu’il a toujours été. Nous sommes en quelque sorte revenus aux sources.

Comment avez-vous géré la transition après 24 ans de direction de Christoph Müller ?

On ne peut jamais satisfaire tout le monde tout le temps. Mon prédécesseur avait trouvé une formule qu’il adorait, et qui fonctionnait. Elle a connu un grand succès. Après 24 ans, on finit inévitablement par s’aliéner certaines personnes par ses choix. Il n’y a pas vraiment d’autre solution que de programmer ce en quoi on croit et ce qu’on estime juste. Je programme avec mon cœur. Je programme ce que j’aimerais écouter. Je le fais aussi avec mon équipe, Alexander [Ponet] et Daniel [Engstfeld]. On échange sans cesse des idées. Nous prenons des risques en misant sur des artistes que nous ne connaissons pas encore, simplement parce que quelqu’un nous les a recommandés. C’est un mélange d’amour inconditionnel pour la musique, de programmation ambitieuse et de respect pour le fait qu’il existe certains artistes que le public adore et qui, eux-mêmes, aiment venir ici – pas seulement pour faire une étape pour un artiste en tournée et de passage en Europe et en Suisse. J’essaie d’offrir aux artistes une expérience agréable, pour qu’ils aient envie d’être ici et de revenir.

Quelle sera, pour vous, la mesure du succès ?

Je pense que le meilleur indicateur de réussite, c’est de voir les gens et de leur parler après le concert. À deux exceptions près, j’ai assisté à tous les concerts. J’ai pris la parole à chaque concert et, à la fin, je vais à la rencontre des personnes qui quittent l’église. Et elles me parlent, et me disent : « J’ai adoré », ou « Je n’étais pas convaincu par ce morceau », ou « Vous devriez peut-être faire ça la prochaine fois », ou encore « C’était génial, mais ça, ce n’était pas terrible ». Si je parviens à toucher les gens grâce à la programmation — si, pendant ces deux heures, ils se sentent transportés dans un autre monde et ont envie de revenir pour un autre concert —, c’est le plus grand succès que je puisse espérer. J’apprécie aussi énormément quand les gens découvrent de nouveaux artistes. Ce n’est pas si difficile de les faire venir pour écouter Benjamin Bernheim. C’est un artiste extraordinaire et les gens viennent parce qu’ils l’adorent et veulent le découvrir ici. Mais c’est tout autre chose que de faire venir des gens pour écouter Maxim Lando, un jeune musicien d’une vingtaine d’années pratiquement inconnu en Europe, ou Marie-Sophie Hauzel et son programme ambitieux, et qu’ils repartent du concert en disant : « Waouh, c’était exceptionnel, c’était intéressant. »

Ou encore faire appel à Martina Meola pour remplacer Daniil Trifonov.

Oui, c’était bien sûr un risque, mais c’était un risque que j’étais prêt à prendre, car j’étais convaincu qu’elle avait vraiment quelque chose à dire. Et nous avons besoin d’artistes qui ont quelque chose à dire.

Ressentez-vous une responsabilité supplémentaire en tant que directeur artistique de ce festival, par rapport à n’importe quel autre ?

Oh, totalement. Je me sens d’autant plus sous les feux de la rampe. J’ai déjà dirigé des festivals, dont certains assez importants, mais celui-ci est de loin le plus grand, le plus important et le plus significatif pour moi, car il représente toute mon histoire, tout mon parcours. De plus, ma mère est là en coulisses pour me rappeler de cirer mes chaussures avant de monter sur scène, car si elle voit une photo où je ne suis pas habillé correctement, je me retrouve dans le pétrin.

Avez-vous déjà eu des doutes quant à la direction que vous vouliez prendre ?

Non, je n’ai jamais eu de doutes. Bien sûr, une fois qu’on a terminé ce document, qu’il part à l’imprimerie et que le monde le découvre pour la première fois, on ressent une grande appréhension : « Comment vont-ils réagir ? Comment vont-ils l’accueillir ? Vont-ils comprendre ? Vont-ils l’aimer ? Vont-ils le détester ? » Pour moi, le plus grand défi a été d’avoir près d’un an et demi pour parler de ce programme avant d’en arriver au premier concert. On peut en parler encore et toujours, mais rien ne vous prépare au moment où le public arrive, s’assoit et où retentit la première note du concert. J’étais inquiet de savoir si cela toucherait les gens et comment, jusqu’au premier concert. Mais dès cet instant, j’ai reçu un tel élan d’enthousiasme, de soutien et d’encouragements ; lors des concerts, mais aussi au supermarché, chez le boucher, ou simplement en marchant de mon appartement jusqu’à la tente du festival. Les gens m’arrêtent cinq, six, sept fois.

Avez-vous déjà tiré des enseignements susceptibles d’orienter la programmation de l’année prochaine ?

Je pense que j’aimerais être encore plus audacieux. Mais il y a un décalage entre ce que nous aimons, ce que nous voulons faire et ce qui est finalement possible sur le plan institutionnel et financier. C’est toujours un véritable exercice d’équilibre que d’essayer de concrétiser tout cela. Chacun a son opinion, et au final, je dois faire abstraction de toutes ces opinions, faire mon choix et m’y tenir. J’ai la chance de disposer d’un réseau extraordinaire de musiciens à travers le monde qui adoreraient venir ici. Je souhaite envisager les choses sur le long terme, peut-être dans cinq ou six ans, ce que j’espère vivement pouvoir faire.

Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur le projet de la nouvelle salle de concert ?

Si tout se passe comme prévu, l’année prochaine sera la dernière dans la tente ici. Ensuite, on la démontera pour commencer la construction de la nouvelle salle de concert. Les travaux dureront au moins trois ans, et pendant cette période – dont la durée exacte reste inconnue –, nous devrons en quelque sorte mettre les contrats en suspens, mais nous devrons aussi mieux cerner le public. Nous disposerons des églises, et nous recherchons également un lieu temporaire, car il serait dommage d’interrompre les productions de grande envergure pendant plusieurs années. On peut organiser un excellent festival en utilisant uniquement des églises, mais depuis plus de 35 ans maintenant, le public s’attend à de grandes productions, des opéras, des concerts symphoniques, etc. Je voudrais préserver cela. Nous avons plusieurs options, dont l’une me semble particulièrement intéressante, mais je ne peux pas en dire plus pour l’instant, car la décision finale n’a pas encore été prise.

Vous avez présenté plusieurs nouveaux programmes. Envisagez-vous d’en ajouter d’autres au cours des prochaines années ou comptez-vous développer le festival dans le cadre de cette structure ?

Je ne peux pas vraiment répondre à cette question pour l’instant car, honnêtement, je ne sais pas. Je pense qu’il y a toujours un compromis à trouver entre toutes les idées que l’on a en tête et ce qui tient réellement dans une brochure que le public peut comprendre. Nous ne sommes pas comme Édimbourg, où l’on a cinq ou six concerts par jour et où l’on passe de l’un à l’autre. Nous avons parfois trois ou quatre concerts par jour, mais c’est rare. Je pense que l’expérience nous montrera ce qui fonctionne et ce qui est faisable pour l’équipe, car nous avons une équipe très petite et un très grand festival. Nous en sommes maintenant à notre sixième semaine sur sept ; en fait, cela fait 52 jours. J’ai souvent des idées, mais mon équipe me dit non. Je dois en tenir compte, mais l’évolution ira certainement vers plus d’ambition, pas moins…

Y a-t-il un inconvénient à diriger ce festival ?

C’est un privilège incroyable de pouvoir faire cela, mais cela m’oblige aussi à faire des sacrifices. Par exemple, je donnerais probablement la plupart de mes concerts en été. Ne pouvoir donner que deux ou trois concerts ailleurs pendant tout l’été représente un énorme sacrifice pour moi, en tant qu’artiste international, car j’adore me produire en concert. D’un autre côté, Gstaad est le seul endroit au monde où je passe autant de temps, ce qui est merveilleux pour ma famille. Nous venons d’avoir notre troisième enfant, une petite fille, et nous avons passé deux mois ici tous ensemble. C’est toujours une question de priorités et de points de vue différents. C’est un défi, mais aussi une immense joie de revenir ici, là où se trouvent mes racines musicales, et de faire partie de cette magnifique région qui reste encore méconnue de certains. Ici, on dit : « Venez et ralentissez le rythme. » C’est vraiment une excellente façon de décrire cet endroit. Toute notre vie, on court sans cesse d’un point A à un point B ; le monde est si rapide, si bruyant et si divisé. Puis on vient ici et les horloges tournent tout simplement à un autre rythme. Ce lien entre la musique et la nature est unique. C’est pour ça que j’adore cet endroit.