Nathalie Stutzmann, une immense cheffe à la Philharmonie de Paris
par Hannah Starman21.10.2023
Ce 19 octobre, la Philharmonie de Paris ouvrait ses portes aux jeunes pour la deuxième soirée consacrée aux œuvres emblématiques de Prokofiev, Chostakovitch et Beethoven. Nathalie Stutzmann dirigeait l’Orchestre de Paris et les solistes invités – Sheku Kanneh-Mason au violoncelle et Guillaume Chilemme au violon – avec une efficacité et une générosité hors du commun.
L’Ensemble Zimro et les débuts de la musique klezmer aux Etats-Unis
La salle Pierre Boulez affiche complet pour cette deuxième représentation du même programme, réservée aux jeunes de moins de 28 ans. Les quelques têtes grisonnantes dans le rang des invités se font discrètes pour ne pas perturber l’ambiance exubérante et respectueuse de ces jeunes bénéficiaires de l’initiative de la Philharmonie de Paris. « Pour 10 euros, on a des places de rêve », raconte un mélomane imberbe à son voisin. « C’est génial ! », renchérit la fille dans ses bras qui lance un regard admiratif à son compagnon rayonnant de fierté.
La soirée ouvre avec l’Ouverture sur des thèmes juifs, op. 34b de Sergueï Prokofiev, une œuvre de musique de chambre, composée en 1919. L’Ouverture est née d’une rencontre au Carnegie Hall entre Prokofiev, alors exilé aux Etats-Unis, et l’Ensemble Zimro, en tournée aux Etats-Unis. Fondé à Petrograd en janvier 1918 par Simeon Bellison, ancien clarinettiste de l’orchestre de l’Opéra impérial de Saint-Petersboug, l’Ensemble Zimro est une formation atypique, composée d’une clarinette, un piano et un quatuor de cordes. Avec le concours de l’Association pour la musique folklorique juive et l’Organisation sioniste russe, l’ensemble Zimro quittera Petrograd en mars 1918 pour une tournée à travers l’Union soviétique, en Chine, au Japon, aux Indes orientales néerlandaises et aux États-Unis.
L’ensemble crée l’Ouverture sur des thèmes juifs le 2 février 1920 au Bohemian Club à New York, avec Prokofiev au piano. Alors que leur objectif du départ était de terminer la tournée en Palestine et d’y construire un conservatoire, l’Ensemble Zimro n’atteindra jamais la Terre promise. Après deux ans aux États-Unis, le groupe se sépare et trois de ses membres (Simeon Bellison, Joseph Cherniavsky et Jacob Mestechkin) s’installent à New York.
L’Ouverture sur des thèmes juifs de Prokofiev
S’inspirant d’un recueil de motifs folkloriques juifs que Zimro partagera avec Prokofiev, le compositeur russe choisira deux thèmes pour son Ouverture, le seul morceau associé avec Zimro connu aujourd’hui. Dans la pure tradition klezmer, le premier ouvre avec un air de danse, vif et enjoué, qui frôle le grotesque, introduit et développé par la clarinette sur un accompagnement rythmique de l’orchestre. Le deuxième est une mélodie plaintive, portée par les aigus du violoncelle. Le premier thème revient dans une courte section de développement dans laquelle la mélodie est fragmentée, inversée et enrichie sur le plan contrapuntique. La première section se répète ensuite, le thème klezmer revenant une dernière fois pour une brève apparition avant que la musique ne s’accélère jusqu’à une explosion finale d’accords.
Prokofiev avait peu d’estime pour cette œuvre, pourtant très populaire. Son biographe David Nice, cite une lettre que Prokofiev écrit à son ami Nikolai Myaskovsy, compositeur et lauréat de cinq prix Staline : « D’un point de vue musical, la seule partie qui vaille la peine, si vous voulez, est la section finale, et je pense que c’est probablement le résultat de ma douceur et de mon diatonisme. » Malgré ses réticences, Prokofiev finira par orchestrer l’Ouverture en 1934. La version originale est plus rarement jouée, mais il en existe plusieurs enregistrements, dont celui qui réunit Giora Feidman à la clarinette, Yefim Bronfman au piano et le Julliard String Quartet dirigés par Zubin Mehta et plus récemment, celle de Sirba Octet.
L’Ouverture sur des thèmes juifs est une œuvre que l’on ne peut guère dissocier de l’histoire de la persécution des Juifs en Europe de l’Est, tant cette musique incarne leurs joies et leurs souffrances. L’exécution de l’Ouverture à Paris, à peine douze jours après le 7 octobre et ses répercussions sur le sol français, interroge et, avant tout, demande le ton juste. Nathalie Stutzmann et l’Orchestre de Paris interprètent l’Ouverture sur des thèmes juifs avec une énergie lumineuse et grave, porteuse d’une vitalité farouche et contagieuse, qui explose, dès les dernières mesures, dans une salve d’applaudissements soutenus.
Premier concerto pour violoncelle de Chostakovitch
Le concert se poursuit avec le Premier concerto pour violoncelle de Chostakovitch avec le jeune soliste britannique Sheku Kanneh-Mason, un musicien talentueux d’une affabilité désarmante, catapulté sur le devant de la scène internationale avec son interprétation d’Ave Maria au mariage du Prince Harry et Meghan Markle devant la famille royale britannique et 2 milliards de téléspectateurs. Grand admirateur de Mstislav Rostropovitch, le dédicataire du Concerto pour violoncelle nº 1, le jeune homme, vêtu d’une chemise blanche aux motifs fleuris, attaque le premier mouvement avec l’empressement d’un cheval nerveux qui charge à l’obstacle, éjectant son cavalier par-dessus les barres.
Nathalie Stutzmann ne se laisse guère impressionner par la fougue de son soliste. Elle dirige Kanneh-Mason et l’Orchestre de Paris au travers des eaux périlleuses du Premier concerto avec une gestuelle discrète, précise et efficace. Instrumentiste – elle joue au piano, au violoncelle et au basson – mais surtout soliste contralto qui peut se vanter d’une discographie de plus de 80 albums, Nathalie Stutzmann comprend mieux que quiconque la dynamique d’un orchestre et l’importance de la respiration. Face à cette grande femme aux larges épaules, délicates mains et le sourire facile, Kanneh-Mason donne l’impression d’un petit garçon en proie à une inexplicable détresse. Trempé de sueur, cassant et arrachant l’une après l’autre les mèches de son archet, il manipule son vénérable Matteo Goffriller de 1700 avec une ardeur violente et arbore l’expression des saints martyrs aux visages tournés vers le ciel et illuminés d’extase.
Ça alors !
Subitement, on le voit lancer un regard désemparé en direction de Stutzmann qui arrête l’orchestre et accompagne le violoncelliste effondré vers la sortie sous les applaudissements appuyés du public. « Son chevalet a lâché », explique un spectateur grisonnant avec autorité. « Je pense qu’il a plutôt cassé une corde », répond son jeune voisin avec le sourire. Quelques minutes plus tard, les deux reviennent, Sheku Kanneh-Mason haussant les épaules en guise d’excuses. Avant de faire reprendre l’orchestre et le soliste quelques mesures avant l’interruption, Stutzmann prend le micro et, avec sa voix grave de contralto, explique : « C’est rare. Ça arrive et ça fait partie des joies du direct. On risque chaque seconde notre vie ici. »
On a presque oublié l’incident, tant le solo de Kanneh-Mason du troisième mouvement était beau, quand on entend céder une deuxième corde. Alors que tout le monde retient son souffle et que le soliste se confond en excuses, Stutzmann éclate de rire. L’ambiance d’une catastrophe imminente se dissipe. L’un des violoncellistes attrape le Goffriller de Kanneh-Mason et lui tend son instrument à la place. Le concert se poursuit sous les applaudissements, dans la joie et la bonne humeur, surtout celle de Stutzmann qui continue à rigoler. Qu’elle soit la deuxième femme à diriger un orchestre majeur aux Etats-Unis et la deuxième femme à prendre la tête de l’orchestre du Festival de Bayreuth en 150 ans, admettons ! Mais qu’un violoncelliste sous sa direction casse deux cordes en un quart d’heure, ça alors !
Tout est bien qui finit bien. Sheku Kanneh-Mason récupérera son violoncelle et jouera en bis une de ses compositions : Melodie. Les bravos et les cris d’appréciation de ce jeune public, exemplaire de bienveillance, effaceront le souvenir d’un chef-d’œuvre haché.
Symphonie nº 6. « Pastorale » de Beethoven
Après l’entracte, Nathalie Stutzmann et l’Orchestre de Paris nous livrent une splendide Pastorale, un baume pour nos nerfs ravagés par tant d’émotions. Composée entre 1805 et 1808, en même temps que la Cinquième Symphonie, et créée le 22 décembre 1808 au Theater an der Wien à Vienne, la Pastorale est un hymne au vivant et un reflet des paysages de l’âme d’un Beethoven amoureux de la nature. Selon les souvenirs rapportés du musicien anglais Charles Neate, qui a connu le compositeur à Vienne, Beethoven « se délectait intensément des fleurs, des nuages, de tout ». Il aurait refusé de s’installer dans une maison lorsqu’il a compris qu’il n’y avait aucun arbre. Dans un moment d’exaltation en 1815, il écrit dans son journal : « Tout-Puissant dans la forêt ! Je suis bienheureux, plein de bonheur dans la forêt : chaque arbre parle à travers toi. Ô Dieu ! Quelle splendeur ! Dans un tel pays de forêts, sur la hauteur est le repos, le repos pour le servir. »
La Pastorale, avec ses éclats, ses contrastes, ses nuances délicates, le raffinement de son écriture, offre à Nathalie Stutzmann un terrain de jeu parfait pour faire respirer l’œuvre comme elle sait si bien faire. Le son qu’elle retire de l’orchestre en lui insufflant les temps de respiration est fabuleux. Elle sculpte des sonorités amples, riches, texturées et incisives, exécutées sans la moindre affectation ou approximation. Les pupitres qu’elle sollicite (flûte piccolo, contrebasson, trombones, clarinette, hautbois, basson) répondent avec des solos époustouflants d’une beauté tranquille. On sent, derrière le naturel de son geste, d’abord une préparation intelligente et profonde et ensuite, un lâcher-prise qui libère l’instinct et permet ainsi la bascule dans la transcendance.
Nathalie Stutzmann, Sheku Kanneh-Mason, l’Orchestre de Paris nous ont offert une soirée inoubliable de musique, d’humanité et de générosité.
Visuels : @Brice Thul
