Quand l’art célèbre la grandeur de l’Espagne

L’âge d’or de l’Espagne

Le siècle d’or est celui de l’apogée de l’Espagne, de sa puissance, de son rayonnement économique et artistique. Il a pris ces racines dans l’année 1492, celle de la chute du royaume de Grenade et de la découverte de l’Amérique. Il pourrait débuter en 1516, lorsque Charles Quint monte sur le trône, réunissant l’Espagne et le Saint Empire romain germanique. L’Espagne devient la puissance dominante en Europe et le soleil ne se couche jamais sur son immense empire. L’or et les richesses affluent d’Amérique. Mais c’est aussi une période de grande richesse artistique, des artistes viennent de toute l’Europe. Les souverains deviennent mécènes, les artistes magnifient la puissance de la couronne. Mais aussi celle de l’église, le concile de Trente (1545-1563) lance la contre- réforme catholique, qui va en retour favoriser l’éclosion du Baroque. Marie Louise reine d’Espagne en chapelle ardente : ce tableau de Sébastien Munoz illustre le rôle représentatif de la peinture. La scène est théâtrale, le clair obscur dramatique. La souveraine défunte reste dans l’ombre, les attributs de la royauté sont dans la lumière, affirmant la continuité dynastique. Le siècle d’or va durer près de 200 ans, jusqu’à la fin des Habsbourg en 1700.
L’exposition met bien en valeur ce contexte historique, les explications sont claires et le visiteur pourra consulter une chronologie synthétique. Le baroque espagnol est riche de ses peintures religieuses et de ses portraits. Nous reverrons avec plaisir les peintures célèbres de Greco ou de Velázquez (1599-1660) mais découvrons des peintres moins connus et les œuvres venues du Pérou ou du Mexique sont inédites.

Des tableaux destinés à la prière

Tout naturellement l’exposition donne une large place à la peinture religieuse. Luis de Morales dit « El Divino » incarne une sensibilité mystique, une dévotion intimiste. La vierge à l’Enfant au fuseau serait inspirée de Léonard de Vinci. Nous sommes touchés par la beauté du bleu du drapé, par la douceur du visage de la Vierge, par son regard tendre sur l’enfant, cette image est très maternelle, très réconfortante. Greco (1541-1614) s’installe à Tolède en 1578 où il dirige un atelier prospère. Sa Pieta date de la fin de sa période romaine. Rose, bleu, vert, nous reconnaissons les couleurs favorites du Greco dans cette scène d’une grande intensité dramatique. Le visage de la Vierge exprime une douleur poignante, le poids du corps du Christ, soutenu par les femmes, est palpable. Trois représentations de saints par Greco sont exposées. Le tableau de Saint François en moine mendiant exprime pauvreté et humilité mais son regard se dirige vers l’au delà. La Vierge à l’enfant de Bartolomé Esteban Murillo est un chef d’œuvre du baroque tardif. Que de douceur et de tendresse ! L’enfant est blotti contre sa mère qui repose sa tête sur celle de son enfant. Un sfumato rajoute, par son léger flou, une touche de sensualité.

Le baroque latino-américain.

Trois salles sont consacrées aux œuvres latino- américaines. Elles sont originales, très rarement exposées alliant les apports coloniaux espagnols aux traditions locales. Ces œuvres sont richement décorées en particulier avec de la nacre, les tableaux sont aussi des objets précieux. Dans Les Noces de Cana de Nicolas de Correa, l’opulence et la richesse sont manifestes. La nacre scintille renforçant la sensation de merveilleux.
Mais l’art devait aussi servir la propagation de la foi chrétienne. Il existait des objets processionnels comme cette Nativité d’un anonyme péruvien, le médaillon représentant la sainte famille est entouré d’un cadre-soleil doré tout à fait spectaculaire. Aux Amériques, le style baroque peut devenir exubérant comme avec L’Archange Saint Michel écrasant les anges rebelles. Avec les couleurs flamboyantes, le ciel éclatant de lumière, l’obscurité de l’enfer, les anges transformés en démons, le tableau est conçu pour frapper les imaginations.

L’art du portrait

Diego Velázquez ( 1599-1660) sera nommé peintre officiel du roi Philippe IV en 1623. L’exposition montre des portraits officiels comme celui de la Reine de Bourbon qui met en valeur la prestance, la majesté, la volonté. Mais Velázquez va révolutionner l’art du portrait : les poses sont plus naturelles, il offre aux personnages une présence, une authenticité. Le visiteur sera séduit par son Portrait de jeune fille. La luminosité, la beauté des dégradés de gris et de beige, le visage magnifiquement dessiné, la chevelure soyeuse, ce portrait est vraiment admirable. En face une œuvre de jeunesse du peintre, La scène de cuisine est présentée pour la première fois en France. Une femme rêveuse, un peu triste peut être, est assise au bout d’une table dans un certain dénuement. Sur la table il n’y a qu’une cruche et une miche de pain, la scène est émouvante par son authenticité, sa simplicité.
L’exposition se termine avec l’andalou Francisco de Zurbaran (1598- 1664). Sainte Émérentienne et Sainte Lucie sont côte à côte. Le père de l’artiste était marchand d’étoffes. Ces deux grandes toiles sont remarquables par la beauté somptueuse des robes et des tissus mais aussi par la douceur des visages qui expriment une grande piété.
Cette exposition a un intérêt historique certain et la beauté des œuvres ne nous laissera pas indifférent. Le visiteur pourra aussi méditer sur la fragile grandeur des empires et sur cette phrase inscrite en latin sur le tableau de Sébastien Munoz : Marie Louise, reine d’Espagne en chapelle ardente « Les lys ne fleurissent pas éternellement »…